Inauguración de la muestra “Diálogos de luz”

El jueves 3 de noviembre a las 19 hs. en la librería Menéndez, ubicada en Paraguay 431, se inaugurará la muestra “Diálogos de luz” integrada por obras de la fotógrafa argentina Lucila Bensasson de Pasqualini. La exhibición se podrá visitar hasta el 29 de noviembre de lunes a viernes de 10 a 19 hs. con acceso libre y gratuito. 

Acerca de la obra

Sin luz, nuestros ojos serían inútiles. Sin luz, las tinieblas nos impedirían admirar la belleza natural de nuestro planeta. Sin luz, el hombre no hubiera sido capaz de experimentar la pasión de la creación artística.

Rozando el ensayo fotográfico las obras que integran esta muestra nos invitan a reflexionar sobre estos temas, mostrándonos la diversidad y los matices de las luces que iluminan nuestro entorno natural y urbano. Lucila Bensasson nos propone desde sus imágenes un recorrido por estrechas callejuelas casi medievales, apacibles playas, inconmensurables cielos, misteriosos y sacrosantos interiores, interminables mares y tradicionales ciudades que cargan sobre sus espaldas siglos de historia. El perfecto manejo del claroscuro y la sutil coloración que tiñe la contundencia del blanco y negro contribuyen a que atardeceres, noches de luna llena y días de sol pleno, lleguen a nuestros ojos como si fueran lejanas postales que desde siempre estuvieron guardadas en el fondo de nuestros más profundos recuerdos. 
Texto: Andrea Castro.   

Siena, Toscana (Italia)

Campiña Toscana (Italia)

Iglesia de Skalholt (Islandia)

Punta del Este (Uruguay)

 

¿Cómo ver el mundo si no existiera la luz?  La del sol, la  de la luna, o la de los focos inventados por nosotros. Ella y su compañera la sombra, van variando de un momento a otro, de una época del año a otra, según la hora,  el movimiento, o las nubes.  Van creando un diálogo con las cuatro dimensiones y así animando edificios, calles y ciudades; a la vez que cobran vida cielos, mares, montañas, bosques, piedras, texturas. Quisiera retener esos instantes, porque apenas pasados unos minutos, nos dicen frases diferentes tanto la luz, como la sombra y los espacios; quisiera poder atrapar esa atmósfera única e irrepetible, antes de que callen. Lucila Bensasson.

Siena, Toscana II (Italia)

Torre Mozza, Toscana (Italia)

Piedigrott, Calabria (Italia)

Estuario del río Tajo (Lisboa)

Acerca de Lucila Bensasson de Pasqualini

Arquitecta y ambientalista  argentina, consolida su formación en fotografía, iniciada en 1987 en el Fotoclub Argentino, con  David Beniluz, Ataúlfo Pérez Aznar, Julie Weisz, Judy Dater, Esteban Marco, Javier López  Rotella y Raquel Bigio.  Ha ganado diversos premios y ha participado en exposiciones colectivas en el Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires, en la Universidad de Belgrano, en el Centro Cultural Borges, en la Facultad de Psicología de la Universidad de Buenos Aires y en la Sisley Gallery de New York (“New Proposals for Argentine Art”), entre otras. A lo largo de su trayectoria también realizó muestras individuales en el Barcelona café, en las Escuelas ORT, en la Sociedad Central de Arquitectos de Bs. As., en el Centro Cultural General San Martín, en la Alianza Francesa de Bs. As., y en el Café Monserrat donde se exhibió en agosto del corriente año su muestra "...ARGENTINA...." En el mes de septiembre fue convocada para participar de La Semana del Arte 2011 en el marco del Gallery Nigths de Puerto Madero.

Inauguración: jueves 3 de noviembre a las 19 hs.
Exhibición: hasta el 29 de noviembre de lunes a viernes de 10 a 19 hs.
Menéndez libros: Paraguay 431 -  CABA. Entrada libre y gratuita

Semana del Arte 2011 - Arte en el Madero Mystic

Semana del Arte 2011  – Gallery Nigths de Puerto Madero   

ARTE EN EL MADERO MYSTIC

Sumándose a la  ya tradicional  Semana del  Arte, que se celebra en la Ciudad de Buenos Aires durante el mes de Septiembre, se llevará a cabo, del martes 26 al jueves 29 del mencionado mes, esta muestra colectiva federal de artistas contemporáneos. La exhibición, curada por la Arqta. Alejandra Tejeira, reunirá las obras de 100 artistas de todo el país que no han querido dejar pasar la oportunidad de mostrar su trabajo en nuestra ciudad. 

La megamuestra, que ocupará todos los niveles del barco Madero Mystic Art + Fan, incluirá una sección de invitados especiales,  actividades entre las que se destacan artistas pintando en vivo, charlas y sorteos, y una Tienda de Arte en la que se venderán obras de pequeño formato, miniesculturas y fotografías a precios accesibles, para que el arte llegue a todos los que deseen disfrutar de él.

El Vernissage se realizará el jueves 29 de septiembre a las 19 horas, coincidiendo con la noche del Gallery Nigths de Puerto Madero. En la inauguración estarán presentes los artistas que integran la muestra y, gracias a sus desinteresadas donaciones, se sortearán varias obras entre todas aquellas personas que hayan visitado la exposición desde el primer día de apertura. El público podrá visitar la exhibición desde el 26/9 al 29/9 (ver cronograma de horarios) con entrada libre y gratuita. 

Artistas invitados:
Los artistas invitados que nos acompañarán presentan una extensa trayectoria y han recibo Grandes Premios Provinciales, Nacionales e Internacionales en la categoría Pintura, Dibujo y Grabado.

Fernando Martínez

Nicolás Menza

Mirta Narosky

Marta Pérez Temperley

Raúl Ponce

Artistas participantes:

Mabel Abalo, Liliana Noemí Aguirre, Mónica Albisu, Sonia Alejandra Almada, Hersilia Álvarez, Gustavo Anglese, Andrea Arcuri, Mónica Ardaiz, María Agustina Bainotti, Alfredo Balbuena, Silvia Basso, Silvia Battistuzzi, María Laura Baylac, Fernando Bekir, Mirta Benavente, Lucila Bensasson de Pasqualini, Ana Laura Blejer, Roxana Boyer, Claudio Braier, Néstor Budano, Nancy Caridad, Norma Carrara, Edy Carusso, Analía Belén Castrillo, Héctor Darío Cauda, Mariela Cirer Lesta, Silvia Ciurca, Adry Colombo Speroni, Fabiana Corsino, Pedro de Matteis, Emilio Delgado, Ester Di Girolamo, Cecilia Díaz, Jessica Doval, Juan Echeverría, Martina Estrada, Liliana Fabbian, Beatriz Fernández, Marita Fernández Barragán, Ester Ferraro,  Adriana Ferrer Bovo, Mario Oscar Filippo, Doris Fonrouge, Inés Galán, María Marta Giorgi, Karmen González, Leandro Granato, Diego César Gutiérrez, Carolina Himmel, Isabel Hooft, Mariana Jantus, Alejandra Jorquera, Vivi Julliand, Matías Kritz, Pilar Franco Laplace, Betina Levin, Laura Lorenzini, Cecilia Macedo, Verónica Mackinson, Mathias Mallmann, Nito Marciglio, Marcelo Martínez Casas, Ornella Maturo, Lía Eva Mc Donnell, Sandra Beatriz Melian, Olga Mesoraca, Beatriz Mornau, Gabriela Noto, Cristina Novelli, Marina Olmi, Cristina Padilla, Magda Paladino, Darío Parvis, Betina Pels, Guillermo Pena, Zelmira Peralta Ramos, Gabriela Pérez, Andrés Piatek, Daniela Pisarev, Verónica Puiggari, Adrián Riccio, Pablo Risso, Lucia Rodríguez, Noelia Rodríguez, Ernesto Santiago Rojas, Mariel Ruiz, Paola Sáenz, Sergio Santancieri, Cristina Sikora, Nelson Tarqui, Jorge Tejera, Marisa Tessitore, Tiny Thomsen, Malala Tiscornia, Gonzalo Trigo, María Corina Vázquez, Horacio Veneziano, Liliana Waisman, Lidia Yanquelevech, Gabriela Zapponi.

Cronograma de actividades:

26/9: 18 a 20 horas, apertura de la muestra y de la tienda de arte.
27/9: 12 a 20 horas, apertura de la muestra y de la tienda de arte.
17 hs Darío Parvis pinta en vivo.
18:30 hs. Atelier abierto de la artista Mirta Narosky. Charla sobre su arte y pintura en vivo.
28/9: 12 a 20 horas, apertura de la muestra y de la tienda de arte.
17 hs Darío Parvis pinta en vivo.
18:30 hs. charla “El arte pop como motor del diseño en la Argentina” por la  Lic. Andrea Castro.
29/9: 12 a 24 horas, apertura de la muestra y de la tienda de arte.
19 horas: Noche de Gallery Nights. Vernissage con artistas pintando en vivo y sorteo de obras entre todos los asistentes. 

Para agendar:

Exhibición: del 26 al 29 de septiembre. Entrada libre y gratuita

Horarios: 18 a 20 hs. (26/9); 12 a 20 hs. (27 y 28 /9); 12 a 24 hs. (29/9)
Noche de Gallery Nights: jueves 29 de septiembre de 19 a 24 hs.
Entrada: libre y gratuita
Madero Mystic Art + Fun: Azucena Villaflor y Olga Cossettini, Dique 3 (Puerto Madero altura Av. Belgrano)

Coordinadora General Gallery Nights Puerto Madero: Grace Grisolia
Producción y curaduría: Arqt. Alejandra Tejeira
Asistente de producción: Andrea Castro
Diseño Gráfico: Soledad Finoli

El arte pop como motor del diseño en la Argentina

Al Pop argentino se lo acusó durante mucho tiempo de importar una moda, un estilo y una ideología que no nos pertenecía, sin apreciar la originalidad y el sinfín de procesos creativos que generó tanto en el arte conceptual como en el desarrollo de las disciplinas de diseño que comenzaron a hacerse fuertes a partir de los años ochenta. Lawrence Alloway, crítico invitado como jurado del Premio Di Tella 1966, afirmaba en una nota en la revista Primera Plana: “aquí, los artistas que he visto son extravagantes en extremo, se los mira con desconfianza: eso no quiere decir que los artistas sean anormales. Ellos son normales, la sociedad argentina es la infranormal, exagerada, puntillosa, controladora”.

La década del 60 fue en nuestro país un momento cultural único que, si bien se inició como reflejo del quiebre artístico e ideológico que se estaba experimentando internacionalmente, logró incorporar elementos autóctonos y populares que posicionaron a nuestros artistas como fuertes referentes dueños de una identidad propia, autorreferencial y ligada al conceptualismo. Por primera vez nuestros creadores no se mimetizaron con lo que estaba sucediendo en la flamante capital del arte en la que se estaba transformando la ciudad de Nueva York; tampoco lo desconocieron. Muy por el contrario, encontraron en el Arte Pop una nueva forma de expresar y criticar al folklore urbano de una sociedad argentina que todavía permanecía fuertemente atada a esquemas conservadores.
Si bien el momento de madurez del lenguaje pop vernáculo puede situarse durante el apogeo del Instituto Di Tella, es cierto que sus trabajos derivaron en pocos años en propuestas cada vez más relacionadas con el arte de los medios y el incipiente mundo del diseño. La alianza comercial que generó Dalila Puzzovio con la tradicional zapatería Grimoldi para producir y vender sus  dobles plataformas; la creación de moda, estilos e imágenes (estás últimas para revistas como Vogue o Harper’s Bazaar) por parte del dúo Cancela-Mensejean; la reflexión sobre el arte y el mundo de la moda que planteó Eduardo Costa a través de sus Fashion Fictions y la labor simultánea de Edgardo Giménez como publicista, diseñador de objetos y escenógrafo, son solo algunos ejemplos que nos deben hacer reflexionar sobre el verdadero origen del diseño en la Argentina. 

En el año 1967 Dalila Puzzovio ganó el 2º Premio del Premio Internacional Di Tella al presentar una instalación (Doble Plataforma) que se transformó en un objeto artístico masivo. La fría estructura geométrica que contenía una sucesión de coloridos zapatos de plataforma de 14 cm. de altura, “ideales para subirse a ellos y ver las cosas desde otra perspectiva, oteando el horizonte”, fue el punto de partida del recorrido que los jurados tuvieron que realizar por gran parte de las sucursales de la tradicionalísima zapatería Grimoldi, para ver exhibidas en sus vidrieras y a la venta las ya famosas plataformas de la futura ganadora. Con una impecable jugada comercial, Dalila consiguió transformar su instalación en un verdadero work in progress al asegurarse que la empresa pusiera a su disposición los mecanismos de producción necesarios para fabricar los modelos y, como si esto fuera poco, los exhibiera y pusiera a la venta a pesar del rotundo contraste que generaban con sus propios productos: el éxito en sucursales  ubicadas en Liniers y Mar del Plata, fueron una sorpresa para la empresa. El año anterior Puzzovio también había obtenido el 2º Premio, del Premio Nacional Di Tella, con un gigantesco autorretrato pintado por artesanos afichistas de cine. Enmarcada por lamparitas, como si fuera el espejo del camarín de una artista, su imagen recostada sensualmente en la arena remitía en forma directa a una de las tantas producciones de fotos que, hasta el día de hoy, se publican en las revistas de moda. La obra ejemplificaba su firme creencia de que arte y moda tienen destinos semejantes (lo estético), no solo por el hecho de que su cuerpo estaba pintado a imagen y semejanza del de Verushka, la modelo de Vogue del momento, sino porque además, un texto de la famosa revista se adjuntaba en el catálogo de la muestra.

Mucho más intensamente que Dalila, el dúo integrado por Delia Cancela y Pablo Mesejean se vinculó desde sus comienzos con la moda, un universo en el cual los modistos de alta costura comenzaban a transformarse en diseñadores, las modelos en supermodelos y los desfiles en complejas puestas en escena. Juntos realizaron escenografías y vestuarios para los espectáculos teatrales del Centro de Experimentación Audiovisual del Di Tella, colecciones y desfiles propios, y producciones fotográficas e ilustraciones para la revista Vogue. Apropiándose del lenguaje de la moda, transformaron sus bocetos de moda en obras artísticas y sus cuadros en vestidos y accesorios. La sensibilidad femenina, el hedonismo juvenil y la visión de un mundo vital, tecnológico y de cuento de hadas, fueron temas recurrentes en sus trabajos, entre los que se pueden destacar la instalación Love and Life, que incluía el retrato de la supermodelo Jean Shrimpton vestida de astronauta; una performance para las Experiencias Visuales ’67, que combinó moda y comunicación a través del diseño de prendas para los empleados del Di Tella; y la edición y venta de la revista Yiyisch (lindo en idioma armenio) para las Experiencias ’68 del mencionado Instituto. Cuenta Grace Coddington (Directora Creativa de la American Vogue) que Cancela-Mesejean “hacían a la gente lucir como flores…me acuerdo…de vestidos de jersey y seda como tubos, sin costuras, que eran geniales. Empezaron jugando con telas, colores y bordados, y luego se volvieron más simples, como ese vestido negro de jersey que es la quintaescencia de lo que hoy llamarían minimal y en ese momento nadie lo entendió” (1).

Eduardo Costa, junto a Juan Risuleo, fue otro de los artistas que hizo propio el lenguaje visual y escrito de la moda para generar la obra Una moda (relato): 4 páginas de la revista mexicana Caballero que exhibían falsas joyas. Partiendo del libro El sistema de la moda de Roland Barthes, ambos artistas señalaban que habían encontrado un “nuevo campo para la creación de obras de arte: el de los textos y fotografías de moda”, un contexto lingüístico y de significación novedoso capaz de tomar metáforas literarias clásicas para describir las vestimentas: entre las falsas joyas se encontraban los cabellos de oro, ideales para que las muchachas rubias los entremezclaran con los propios. Cuando Costa llegó a Estados Unidos, Leo Castelli, un afamado galerista de la ciudad de Nueva York, lo mandó directamente a la revista Vogue para publicar su falsa joya aro-oreja. Richard Avedon le hizo las fotos y así nacieron los Fashion Fictions “obras que desafiaron a la institución moda al colarse en ella y hacerla reflexionar sobre sus cánones y posibilidades” (2).

Edgardo Giménez, también llamado el afichista de la cultura, fue el encargado de promocionar desde lo gráfico la interminable sucesión de eventos que acontecieron por aquellos días, de la mano de colores estridentes, dibujos planimétricos y destacadas tipografías. En el año 1965, junto a Dalila Puzzovio y Charlie Squirru, Edgardo alquiló durante 40 días un espacio público de publicidad ubicado en la esquina de Florida y Viamonte (el corazón de la llamada Manzana Loca), en el cual era habitual ver publicidades de grandes empresas como Coca-Cola o Aerolíneas Argentinas. Los tres artistas expusieron allí un enorme poster, pintado por profesionales de la agencia Meca a partir de un collage diseñado por ellos mismos, con la enorme pregunta ¿Porqué son tan geniales? sobre sus respectivos retratos. Esta autopropaganda fue mucho más que un gesto de provocación hacia las numerosas críticas y escándalos que producían las actividades de los artistas pop: fue una nueva forma de vender un nuevo arte que salía a la calle para anunciar la llegada de un nuevo estilo de vida. Multifacético y artista visual autodidacta, como suele definirse, Giménez también se acercó a la escenografía (en dos films del director Héctor Olivera), a la arquitectura (diseñó entre otras la casa de Romero Brest en City Bell) y a la creación de objetos utilitarios creativos y estéticos, al formar parte de Fuera de Caja, centro de arte para consumir.

Este dream team de “artistas – diseñadores”  que transitaron en los ’60 un camino impensado para la sociedad argentina de los ‘50, tuvo en Marta Minujín a su representante más radical. Empecinada en demoler cuanta estructura conservadora se mantuviera en pie a su alrededor, Minujín generó, a través de sus instalaciones y happenings, un tsunami de sensaciones que se apoderaron de los 5 sentidos de todos los que tuvieron el privilegio de formar parte y visitar sus obras. Hoy podemos decir que el diseño y la manipulación de los espacios, de las luces, del sonido y de las imágenes en obras como La Menesunda (1965), Simultaneidad en simultaneidad (1966), Minuphone (1967) y Minucode (1968) abrieron las puertas a un arte de participación y sentaron las bases para toda una generación de futuros diseñadores multimediales.

El cierre del Instituto Di Tella en 1970 fue visto por la gran mayoría como el fracaso de este movimiento rupturista. Años más tarde el comienzo de la dictadura sepultó por mucho tiempo el legado artístico y cultural de esos años maravillosos, produciendo un apagón cultural que duró alrededor de 15 años. Durante el 2010, exposiciones como  Imán Nueva York (en la Fundación Proa), La consagración de la Primavera (en la Fundación OSDE) y Marta Minujín, obras 1959-1989 (en el MALBA) volvieron a fijar la mirada, al igual que en los años ’90, en la escena cultural y artística de ese momento, generando una nueva puesta en valor de sus artistas y acercando su legado a las generaciones más jóvenes. Hoy, 50 años después, quizás necesitemos volver al Pop para entender porque desde la Menesunda (primer ambientación en el mundo que incorporó un circuito cerrado de televisión) a los programas de Marcelo Tinelli, una de nuestras obsesiones es la de mirar y ser mirado.  

 (1)Victoria Lescano. Followers of Fashion. Buenos Aires 2004. Pág.: 30
(2)María José Herrera. Catálogo de la muestra Pop! La consagración de la primavera. Buenos Aires 2010. Pág.: 41

Texto e imágenes: Andrea Castro.

Inauguración de la muestra fotográfica ..."Argentina..."

La fotógrafa Lucila Bensasson de Pasqualini inaugura esta muestra de fotografías blanco y negro, integrada por una selección de paisajes de nuestro país que esconden un sutil mensaje ecológico en su conjunto.

"Paisajes de otros tiempos. Ancestrales misterios que aún siguen siendo develados. Soledad y aridez extrema conquistada por el hombre y, paradójicamente, devastada por él mismo. Tierras antiguamente dominadas por gigantes que hoy muestran sobre su superficie irreverentes huellas de contemporáneas zapatillas, descubiertas gracias a la mirada urbana de la artista. Una mirada que también supo observar e inmortalizar la belleza y la inmensidad de una tierra que hoy sufre los embates de una Gaia que se sacude, tiembla y vomita su descontento sobre la raza humana que intenta dominarla".  
Texto: Andrea Castro

Inauguración: 17/8 a las 19:30 hs.

Lugar: Café Monserrat

Dirección: San José 524 CABA

Hasta el: 26 de agosto 

 

Capacitaciones particulares para diseñadores

Relevamiento de tendencias y armado de colección

Dirigido a: Diseñadores que estén comenzando a desarrollar su propia marca, emprendedores que necesiten revitalizar su producción y encarrilar su negocio, estudiantes de diseño en general.

Objetivos:
Reflexionar sobre el complejo mundo de las tendencias y las marcas de moda, para conocernos a nosotros mismos como diseñadores y para comenzar a observar al sistema de la moda desde otro punto de vista.
Sistematizar la creación y materialización de diseños a través de una metodología clara que se pueda aplicar de manera constante a toda fuente de inspiración, ordenando tanto la producción como la imagen de la marca.

Contenidos:
Definición de tendencia y Zeitgeist
Ciclo de vida y tipos de tendencias
Sistema de movimiento de las tendencias
Mapa de las tendencias

¿Existen realmente las tendencias?
¿Cómo se releva una tendencia?
Rubros de moda
Proceso proyectual
Armado de colección:
-    contexto
-    programa de necesidades
-    pautas y elementos de diseño
-    análisis objetual
-    tipos de series  y  líneas 

La importancia del color en la creación indumentaria

Dirigido a: Diseñadores o estudiantes de diseño en general, creadores independientes y artistas.

Objetivos:
Conocer los profundos significados y las sensaciones que causan los colores en los seres humanos.
Aprender a utilizarlos y combinarlos para potenciar la atracción de los diseños o creaciones según el rubro y el público al cual estén dirigidos. Liberar la creatividad a través del manejo adecuado de los colores.

Contenidos:
Teoría del color: combinaciones armónicas e impactantes.
Las dimensiones del color
Psicología del color: el color en el lenguaje de la moda.
La evolución del simbolismo de los colores a lo largo de la historia.
Las sensaciones del color: Teoría del color de Wassily Kandinsky
Última clase: actividad práctica

Seminario: El tejido y los grandes diseñadores de moda 

Tres horas para conocer las creaciones en tejido a las cuales, de vez en cuando, se animan los grandes creadores de la moda tanto nacionales como internacionales. Sin olvidarnos por supuesto de los diseñadores que apuestan únicamente a esta técnica ancestral para materializar sus creaciones. 

Informes: andreacastro20@gmail.com

Reinas Latentes en la Universidad de Palermo

Reinas latentes, coloridas, emplumadas, vanguardistas, guardadoras de secretos ancestrales y objetos preciados inundaron la pasarela en uno de los desfiles de la 13ª Edición Moda en Palermo, el ya clásico ciclo de muestras y performances del cual participan todas las cátedras de diseño de la Universidad del mencionado barrio. Las reinas nacieron de la creatividad y del trabajo de los alumnos de la Cátedra Diseño III de Ileana Capurro.

  
El punto de partida fue sin duda un desafío: basar las estructuras morfológicas de los diseños en un objeto muy querido y significante y, a la vez, lograr un estilismo inspirado en el movimiento punk centroamericano. Si bien Ileana, muy gentilmente, me ha explicado que entre los objetos utilizados por los alumnos se encontraban recuerdos varios de la infancia, tomas fotográficas de personas representativas en sus vidas, piezas heredadas, cofres y hasta mamushkas, el alto grado de conceptualización y de operatoria morfológica que presentaron los diseños logró, por una parte, evitar caer totalmente en cualquier estereotipo y, por la otra, disparar la imaginación del espectador a límites insospechados. En un esfuerzo por descifrar lo indescifrable, la forma concreta que puede tomar la representación de un sentimiento humano relacionado a un objeto, se pudieron vislumbrar en las pasadas pétalos de flores, abanicos, antiguos encajes y ligas de novias, viejas fotos en tonos sepias, tutús de bailarinas y muñecos de peluche, pensando, en realidad, en objetos más propios que ajenos.

Las ondulantes formas, facetadas, enroscadas, plegadas y trenzadas hasta el extremo fueron realizadas en liencillo de algodón y combinadas con gorros de lana coronados por crestas. El uso de un material que tradicionalmente se utiliza en los diseño de alta costura para realizar la denominada toile (traje de prueba), la osada combinación con la lana y el agregado de las crestas, remitieron directamente a la irreverencia y a la estética punk, me explicó nuevamente Ileana. 

Mientras que el manejo de las formas fue apabullante, el del color no se quedó atrás, no solo por las combinaciones que se manejaron sino por la excelente decisión de aerografiar los diseños, logrando contrastes, degrades y detalles que acompañaron y realzaron hábilmente cada uno de los pliegues y ondulaciones del liencillo.

A  pesar de que las piernas estuvieron fuera de juego, cubiertas por calzas blancas, otro acierto fue no cortar la estética más allá de ellas y continuar el juego en los pies con interesantes intervenciones en los zapatos en combinación con los gorros de lana. Estos últimos, justamente, fueron los que redondearon magistralmente el concepto general, en primer lugar por su clara reminiscencia latinoamericana (más bien andina e incaica) y, en segundo lugar, por la importancia de las ya mencionadas crestas. 

 

 

La variedad de formatos y colores las transformaron, en algunos gorros, en verdaderos penachos de guerra, muy similares a los utilizados por los soldados romanos en sus cascos, reafirmando así el carácter combativo de una de las tribus urbanas más revulsivas del siglo XX. En otros, en cambio, la estética más plumaria remitió directamente a las aves y a ese especial cuidado que ellas ponen en generar un objeto de diseño, su nido, para atesorar y resguardar sus objetos más preciados.

Texto: Andrea Castro.